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Era Uma Vez… Só nos Primeiros Episódios

O drama até começa com uma proposta ousada para os padrões da era Joseon — uma mistura de erotismo, comédia e leve irreverência que flerta com o anacrônico, mas que funciona surpreendentemente bem… nos cinco primeiros episódios. Depois disso, a história se perde em um melodrama arrastado, onde o casal principal, apesar de empenhado, simplesmente não convence. Não é que falte química — é que falta coerência, propósito, algo que justifique o porquê de estarmos investindo nosso tempo nesses dois. E o carisma deles, que deveria carregar o roteiro, acaba sendo engolido pelo peso excessivo do sentimentalismo barato.

A frase final, “Eu não fui feliz, mas espero que você seja”, parece querer soar como epifania, mas acaba mais soando como um pedido de desculpas da roteirista ao espectador. Porque fica a dúvida incômoda: tudo aquilo que vimos foi real ou só um devaneio literário? O destino do casal na Joseon parece tão difuso quanto a própria direção do enredo. E no fim das contas, apesar de uma largada promissora, o drama se contenta em ser apenas isso: assistível. Um daqueles que a gente esquece no instante em que a tela escurece.

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ESQUISITO E INCOMPLETO...

Ontem à noite decidi assistir a esse filme e o começo parece bem promissor, as bases iniciais do filme são bem apresentadas e o enredo se mostra bem interessante e inovador. Afinal, a Coreia do Sul é um dos países que mais se preocupa com a opinião pública e muitas vezes as grandes corporações e pessoas com poder decidem manipular as redes sociais e a mídia para controlar a dita opinião pública.

Entretanto, a reta final do filme nitidamente estava desconexa e confusa, além de que os cortes de edição foram mal feitos e horríveis. Quando finalmente há algum esclarecimento inteligível, nos é apresentado que o garoto era um mitomaníaco narcisista que manipulou um jornalista que já estava em desgraça com o público e a imprensa, motivo? Sei lá, para os roteiristas pouco importava na verdade. Uma pena porque o elenco era muito bom.

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Is innocence synonymous with freedom?

With the imminent premiere of the Netflix drama "Queen of Tears", I decided to watch Kim Soo Hyun's latest drama, which is "One Ordinary Day" from 2021. I confess that I was surprised that Soo Hyun had been on hiatus for almost 3 years and only returned now with the Netflix drama. That said, I deeply regret not having watched this drama when it was released. The technical and scenic quality is of a unique excellence, with everything very well developed. The Korean justice system is once again called into question, and here, as is routine, we see that vanity and ambition are put first in relation to the suffering of others.

They took Hyun Soo's life, and there is no way he can go back to the starting point where his life was abruptly changed. Everything is in the past, and there is no possible reparation. The designation of ex-convict will always be with him, and Korean conservative society will judge him every day, regardless of his innocence. Of course, Hyun Soo was guilty of omission of aid, and his selfishness led him to where we are, but the hell he lived is much more the responsibility of the justice hyenas than anything else.

Finally, Seung Won deserves praise, who plays this lawyer who lives in a state of full dermatitis. I confess that I felt disgusted at first, but as the dermatitis evolved, the case became denser and more complicated. When Hyun Soo was released, the lawyer's dermatitis eased. Kim Sung Gyu, playing Ji Tae, was above criticism. He knew how to be the escape valve for the psychological pressures that Hyun Soo suffered, although in a very twisted way, but he was a protector.

About the ending, I had two feelings: the first that he was going to commit suicide and the second that smoking that last pack of cigarettes would be like saying goodbye to all the hell he lived. I loved this drama so much, impeccable.

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A rara beleza da imperfeição humana

Em uma época em que boa parte das produções asiáticas parece presa a fórmulas gastas, romances industriais e conflitos fabricados em série, The Scarecrow surge como uma obra feita com algo cada vez mais raro: convicção. É um drama que demonstra inteligência em todos os níveis, do texto à encenação, da direção de atores à reconstrução de época. Há um cuidado quase obsessivo com figurino, ambientação, cenografia e atmosfera, mas o mais impressionante é que nada disso existe apenas para ornamentar a tela. Tudo está a serviço de uma história profundamente humana. O drama entende que tragédias não nascem apenas da maldade, mas da combinação explosiva entre ambição, inveja, vaidade e a capacidade que algumas pessoas têm de tratar vidas humanas como obstáculos descartáveis. E faz isso sem transformar seus personagens em caricaturas morais, permitindo que a dor causada por suas escolhas seja sentida em toda a sua dimensão.

O maior acerto, contudo, está em Kang Tae-joo. Em vez do protagonista infalível que domina a dramaturgia contemporânea, temos alguém que acerta e erra quase na mesma proporção, alguém vulnerável às próprias limitações e incapaz de controlar todas as variáveis ao seu redor. Isso não o enfraquece, pelo contrário, o humaniza. A empatia surge justamente porque ele parece uma pessoa real tentando sobreviver a circunstâncias extraordinárias. E quando personagens queridos encontram destinos injustos, a emoção não vem de manipulação barata, mas do investimento emocional construído com paciência ao longo da narrativa. Poucos dramas conseguem provocar esse tipo de envolvimento genuíno.

Ao final, permanece a sensação rara de ter acompanhado algo importante. A descoberta posterior de que a história foi inspirada em acontecimentos reais apenas reforça a impressão de que os roteiristas compreenderam o peso histórico do material que tinham em mãos. Não há romantização da tragédia nem desespero gratuito. O drama reconhece que a vida pode ser cruel, mas se recusa a enxergá-la apenas através da escuridão. É uma obra madura, sensível e extraordinariamente bem executada, daquelas que continuam ecoando muito tempo depois dos créditos finais.

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Rain entende melhor a série do que seu protagonista

A segunda temporada de Bloodhounds parece, por vezes, estranhamente convencida de que seu protagonista pode se comunicar como se ainda estivéssemos no cinema mudo. Woo Do-hwan passa boa parte da temporada reduzido a respostas monossilábicas, pedidos de desculpa e uma economia verbal que rapidamente deixa de parecer traço de personagem para soar como limitação de escrita. A responsabilidade, convenhamos, não recai apenas sobre o ator, mas sobre roteiristas e direção, que claramente decidiram transformar o protagonista em uma presença mais física do que verbal. Em compensação, Rain entende perfeitamente o tipo de exagero que a série exige e entrega um vilão impulsivo, violento e suficientemente carregado de presença para justificar o caos que provoca. É um antagonista funcional, irritante na medida certa e, sobretudo, divertido de assistir.

Narrativamente, a temporada abraça clichês com a tranquilidade de quem já desistiu de pedir desculpas por eles. As motivações que empurram o protagonista de volta à luta são preguiçosas, o retrato da polícia continua preso naquela caricatura habitual entre incompetência, covardia e corrupção, e ainda assim a série mantém movimento suficiente para não cair no tédio. Não há aqui grandes sofisticações dramáticas, tampouco ambições emocionais mais profundas. Trata-se de entretenimento de ação puro, com boas participações especiais, coadjuvantes de luxo e a nítida sensação de que a Netflix enxerga potencial de franquia, especialmente com a entrada de Park Seo-joon como possibilidade de expansão. O saldo? Entreteve. E essa talvez seja exatamente a única promessa que a temporada realmente precisava cumprir.

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Quando competência basta e sobra

If Wishes Could Kill é mais uma pequena afronta à ideia preguiçosa de que qualidade dramática nasce exclusivamente de cifras obscenas. Para os padrões da Netflix, trata-se de uma produção relativamente modesta, e ainda assim a série entrega um acabamento que faria muito projeto inflado corar discretamente no canto da sala. O elenco jovem é um trunfo decisivo, não pelo apelo etário, mas pela disciplina cênica. Não há traço de canastrice, não há aquele constrangimento juvenil tão comum quando se reúne um grupo de rostos bonitos antes de bons atores. Aqui, todos funcionam. E quando se diz todos, é sem caridade crítica. Há rigor interpretativo, naturalidade e precisão emocional, algo ainda mais notável sob o comando de um diretor estreante como Park Youn-Seo, que claramente não chegou aqui por improviso, mas por aprendizado sólido vindo de Moving.

A premissa, convenhamos, não é exatamente revolucionária. Há algo nessa sinopse que soa familiar, como uma memória dramática reciclada dos anos 2010, daquelas histórias que já circularam por diferentes roupagens emocionais. A diferença é que aqui o clichê não envergonha, ele funciona. Porque execução ainda importa, e importa muito. O texto entende seu próprio material, os efeitos visuais e especiais são convincentes e a produção jamais transmite a sensação de limitação financeira. Pelo contrário, há um cuidado estético que sustenta a credibilidade do universo apresentado e impede qualquer comparação desfavorável com produções de orçamento muito superior.

No fim, o que fica é uma constatação simples e quase irritante para certas superproduções: dinheiro ajuda, evidentemente, mas talento continua sendo mais importante. If Wishes Could Kill não reinventa a dramaturgia coreana nem pretende fazê-lo. Seu mérito está em pegar uma estrutura familiar, cercá-la de competência técnica e interpretativa, e entregar um drama sólido, elegante e plenamente funcional. Às vezes, isso basta. Quando bem feito, basta com folga.

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O tipo de produção que eleva a régua

Veil of Shadows faz algo que produções estreladas raramente conseguem sem tropeçar feio: reunir um elenco numeroso e repleto de nomes de peso sem transformar metade dos personagens em decoração cara. Há aqui um trabalho admirável de distribuição dramática, dando tempo, função e dignidade narrativa a praticamente todos, o que por si só já seria digno de aplauso. Some-se a isso um espetáculo técnico de fazer certos dramas modestos parecerem ensaio escolar. Figurino exuberante, CGI robusto, cenografia ambiciosa, maquiagem cuidadosa e um enredo que sabe sustentar a grandiosidade visual sem virar vitrine vazia. É o tipo de produção que estraga o espectador, porque depois dela voltar para dramas de orçamento apertado exige boa vontade quase espiritual.

Nem tudo, porém, escapa do excesso. O drama se entrega, com entusiasmo tipicamente chinês, a diálogos longos demais e a melodramas que, em certos momentos, mais testam a atenção do que aprofundam emoção, especialmente nas cenas românticas, onde a tentação de se distrair aparece sem cerimônia. Também chama atenção a atuação de Yan An, curiosamente aquém do restante do elenco, com expressões por vezes artificiais demais para um conjunto que opera em nível mais seguro, o que decepciona ainda mais considerando seu bom trabalho em Fangs of Fortune. Ainda assim, são ruídos pontuais em uma experiência amplamente vitoriosa. O final fecha com elegância e sem gancho barato para continuação, preferindo uma leitura quase fatalista de que o destino sempre encontra meios de cumprir aquilo que foi traçado, para o bem ou para o desastre, dependendo apenas do ângulo de quem observa.

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Entre a precisão e a falta de impacto

Este drama taiwanês se apoia em uma estrutura narrativa sólida e em uma condução precisa, sem tropeços evidentes ao longo do percurso. A trama se mantém bem conectada do primeiro ao último episódio, com um roteiro que sabe organizar seus conflitos e entregar motivações claras, inclusive para o antagonista, cuja construção, justa ou não, é devidamente apresentada ao espectador. Tecnicamente, não há falhas relevantes, e a produção cumpre com eficiência aquilo que se propõe a fazer. Ainda assim, trata-se de uma experiência que permanece dentro de um campo mais contido, correta e bem executada, mas sem alcançar um impacto mais profundo ou duradouro no imaginário.

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Promissor, mas desequilibrado

Last Samurai Standing confirma, logo de saída, aquilo que já se espera de uma produção japonesa desse porte: excelência técnica. Ambientação, fotografia, cenografia e figurino trabalham em perfeita harmonia, criando um universo visualmente rico e consistente. A direção e o modelo de filmagem reforçam essa qualidade, com uma edição precisa que valoriza tanto a ação quanto os momentos de contemplação. Nesse aspecto, o drama é irretocável. O problema surge no centro da narrativa. O protagonista, que deveria carregar o peso de um passado sanguinário e temível, carece de carisma e presença. Falta aura. Há uma desconexão entre a proposta do personagem e a entrega do ator, agravada por uma diferença de idade pouco convincente em relação aos demais samurais e parceiros de treino, o que compromete a credibilidade em cena.

Curiosamente, são os vilões que sustentam o interesse dramático. Há consistência na construção de cada antagonista, com destaque para a figura quase caricatural, mas eficaz, do líder que evoca um “Mini Napoleão Bonaparte”, carregando a arrogância e a obsessão necessárias para conduzir o projeto de extermínio dos samurais. É um conjunto de personagens mais vibrante do que o próprio herói, o que desloca o eixo emocional da série. Ainda assim, a temporada cumpre seu papel de instigar continuidade. A vontade de seguir não vem pelo protagonista, mas pelo enredo e pelo universo que se mostra promissor. É um drama tecnicamente impecável, narrativamente interessante, mas que ainda precisa encontrar um centro mais forte para sustentar plenamente seu impacto.

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Um thriller que prefere clareza ao mistério fácil

Bloody Flower se mostra um drama competente justamente por aquilo que muitos thrillers recentes parecem esquecer: coerência narrativa. As tramas se conectam de forma segura, os personagens encontram função dentro do enredo e o roteiro evita buracos evidentes. Nos primeiros episódios, especialmente até o capítulo quatro ou cinco, paira uma desconfiança legítima sobre a suposta cura apresentada pela história, que poderia facilmente ser apenas uma peça dentro de um plano maior de vingança. A suspeita não era infundada, já que a vingança realmente se confirma como motor da narrativa, mas o roteiro surpreende ao revelar que a cura também existe de fato, ampliando o conflito em vez de simplificá-lo.

Outro ponto forte é a atuação de Ryeoun, que demonstra maturidade incomum para alguém de sua geração. Sua performance evita o artificialismo que frequentemente aparece em atores jovens, sustentando o personagem com naturalidade e presença. O desfecho também opta pela clareza em vez da ambiguidade fácil: o serial killer anti-herói está vivo, e o detalhe sonoro das ondas do mar na ligação final elimina qualquer dúvida interpretativa. É um encerramento direto, sem metáforas excessivas ou finais deliberadamente nebulosos. No balanço final, trata-se de um drama sólido, bem resolvido e satisfatório, que cumpre o que promete sem tropeços relevantes.

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O preço de conquistar e MANTER o que é seu

The Art of Sarah mergulha em um universo de aparências, ambição e ressentimentos cuidadosamente disfarçados. É um drama de acidez elegante, quase prazerosa de acompanhar, em que a protagonista transita com habilidade entre cinismo, desejo de ascensão e uma espécie de reivindicação tardia de dignidade. Sarah não é uma heroína convencional, tampouco uma vilã simples. Ela flutua nesse território moral ambíguo com naturalidade desconcertante, impulsionada pela vontade de conquistar aquilo que a vida lhe negou ou, pior, aquilo que lhe foi tirado com humilhação. Os diálogos são longos, mas não cansativos. Há a sensação de que cada frase foi escrita com precisão cirúrgica, especialmente nos confrontos verbais entre Sarah e o detetive que a persegue, transformando esses embates em pequenas arenas psicológicas.

O desfecho encontra um equilíbrio curioso entre vitória e derrota. Ambos os protagonistas saem, ao mesmo tempo, vencedores e incompletos. Sarah conquista algo fundamental, mas paga com dez anos de liberdade perdida e com a impossibilidade de acompanhar o crescimento da própria criação. O detetive, por sua vez, alcança a promoção desejada, mas falha em destruir aquilo que representava o verdadeiro coração do projeto de Sarah: Boudoir. Não há triunfo absoluto, apenas consequências. E talvez seja justamente isso que torna o final tão coerente. Shin Hye-sun sustenta tudo com uma atuação afiada, construindo uma protagonista que oscila entre charme calculado e sociopatia silenciosa, marcada por uma cadência de voz quase hipnótica e por uma ingenuidade aparentemente ensaiada. O resultado é um drama ácido, inteligente e provocativo, que permanece na cabeça mesmo depois do último episódio.

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Um drama que se sustenta pela atmosfera

Antes de qualquer análise narrativa, é impossível não reconhecer o impacto visual de Corrente Implacável. A maquiagem e o figurino elevam a imersão do drama, especialmente na construção dos bandoleiros e, em particular, na transformação de Rowoon, quase irreconhecível em cena. A atuação dele se apoia menos em longos discursos e mais em gestos e expressões, exigindo uma entrega corporal que sustenta bem o peso emocional do personagem. É um papel que demanda sutileza e presença silenciosa, e o ator responde com segurança. O enredo se mantém interessante, ainda que alguns vilões recebam desenvolvimento mais raso do que outros. A existência de figuras misteriosas por trás dos antagonistas permanece sem explicação clara, mas, curiosamente, isso não compromete a narrativa, já que a história encontra resolução satisfatória sem precisar explorar esse ponto.

O desfecho fecha adequadamente as tramas abertas, ainda que deixe uma leve sensação de continuidade possível, seja por licença poética ou por escolha deliberada de um final apenas sugerido. No fim das contas, a experiência é positiva e consistente, sem falhas narrativas que prejudiquem o conjunto. O drama funciona pela força do elenco, pela ambientação e por uma condução segura da história, deixando a impressão de uma obra bem resolvida dentro daquilo que se propõe a entregar.

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O sol como direito, não como metáfora

Had I Not Seen the Sun não é apenas um drama, é uma experiência que desorganiza. Ele não provoca catarse, ele a impõe. Cada episódio funciona como uma travessia emocional em que tristeza, rancor, ternura, ansiedade e dor coexistem sem hierarquia, obrigando o espectador a sentir tudo ao mesmo tempo. É belo porque é cruel, é cruel porque é honesto, e é arrebatador porque não oferece alívio fácil. Ao final de cada episódio, não há vontade de seguir adiante, há necessidade de parar e tentar compreender o que acabou de atravessar o peito. O mais perturbador é perceber como um amor tão imaculado, responsável e silenciosamente belo consegue nascer e sobreviver cercado por inveja, ódio e ressentimento, como se amar fosse, por si só, um ato de afronta ao mundo.

O texto é de uma precisão quase sobrenatural. A dramaturgia taiwanesa atinge aqui um nível de maturidade emocional raríssimo, em que cada cena parece calibrada para encontrar exatamente o nervo certo do espectador. Não há excesso, não há desperdício, não há concessão. Jing-Hua Tseng e Moon Lee entregam atuações que não parecem interpretações, mas estados de existência. Eles não representam a dor, eles a habitam. O enlace que se constrói entre os dois é trágico, sim, mas também profundamente ético, cuidadoso e protetor, um amor que não agride, não corrompe e não exige, apenas existe. Trilha sonora, direção, cenografia, figurino e efeitos visuais não acompanham o texto, eles o reverenciam. Tudo está a serviço da emoção, e nada escapa dessa intenção.

O final não é ambíguo, é libertador. Não há metáfora escondida nem subtexto cifrado. A resposta é direta, quase física. Aqueles que antes se perguntavam se tinham permissão para ver o sol finalmente entendem que essa permissão nunca foi externa. Quando a canção ecoa, não como citação, mas como sentido, a imagem que se impõe é a da transformação completa. Não resta dúvida, não resta pergunta, não resta dor sem propósito. O sol não é recompensa, é direito. E quando a história termina, não há vontade de avaliar, apenas de aceitar que algo mudou. Esse não é um drama que se assiste. É um drama que permanece.

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Uma terceira temporada com uma identidade mais do que própria.

Chegamos ao fim da terceira temporada de Táxi Driver, e, curiosamente, a ausência de um vilão central não soa como deficiência. Pelo contrário, o mais interessante é perceber que não senti falta dessa figura organizadora do conflito. As histórias episódicas funcionam muito bem de forma distribuída, cada uma com peso próprio, sustentadas por participações especiais bem aproveitadas e por um início avassalador no Japão, que já estabelece fôlego e ambição. Há uma sensação clara de confiança narrativa, como se a série soubesse que não precisa mais de muletas estruturais para se manter interessante.

O grande trunfo segue sendo a sinergia do elenco. O carisma coletivo explica com facilidade por que o drama atravessou temporadas, e há uma noção palpável de união entre atores, direção e roteiro. Nem tudo, porém, é impecável. O embate final com o general cuidador de galinhas no último episódio soa forçado e estranhamente deslocado, sobretudo pelo uso de humor quase “creepy” dentro do alojamento, reforçado por sonoplastia cômica que quebra o tom. Também incomoda ver, em alguns momentos, a equipe da Rainbow agir de forma excessivamente ingênua, especialmente na saga da ilha dos golpistas. Ainda assim, o saldo final é amplamente positivo. A série tem texto sólido, alma coletiva e ainda muita lenha para queimar. A torcida por uma quarta temporada não é gratuita, é consequência natural do que foi construído até aqui.

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Nada além de um bom filme de domingo

Minha régua para cinema é assumidamente ingrata, porque sou movido a contexto, detalhe e circunstância, justamente aquilo que um filme de 90 a 120 minutos raramente consegue oferecer sem atropelos. Ainda assim, tento ser justo. Cheguei a este filme muito mais por Xiao Zhan, de quem sou fã declarado, do que por qualquer promessa de densidade narrativa. E, dentro do possível, a produção acerta em escolhas importantes. O uso do idioma mongol, sem a comodidade artificial de colocar todos falando a mesma língua, revela um respeito cultural que merece ser destacado. Não cabe aqui julgar pronúncia, mas a decisão em si já qualifica a obra. O início é apressado, com acontecimentos jogados em sequência e alguns flashbacks reduzidos a texto, mas a narrativa se mantém compreensível e segue em frente sem me perder pelo caminho.

Visualmente, o filme se sustenta melhor do que tropeça. A caracterização dos personagens e a cenografia funcionam muito bem e ajudam a dar corpo ao universo apresentado. O CGI, por outro lado, é irregular, às vezes simplista demais, quase primitivo, mas sem chegar ao ponto de comprometer a experiência como um todo. Fica mais como um registro técnico do que como um problema real. O final parece deliberadamente fechado, reforçado pela canção que acompanha os protagonistas, sinalizando que não há ambição de continuidade. No saldo final, é exatamente isso: um bom filme de domingo, honesto dentro de suas limitações e confortável naquilo que se propõe a entregar.

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